1. Documentación del proceso:    La primera elección, es complicada, desde un bodegón, que se puede realizar en casa, hasta un retrato (mucho más comprometido) o salir a la calle “Plein air”, recurso utilizado desde mediados del siglo XIX cuando los pintores, salieron de sus estudios para captar la luz natural y estudiar sus efectos para aplicarlos a su manera de pintar.        Pero también se me planteaba el no ir muy lejos pues hay que utilizar el caballete, la caja con todos los oleos, instrumental, silla, etc.            Pero desde mi ventana veo la plaza donde vivo y pensé que sería fácil ponerme a pintar en ella pues es muy tranquila y nadie me molestaría.  Es una plaza que tiene tres entradas desde varias calles pero tiene una configuración de plaza pública.

PLAZA DEL GALLO

PLAZA DE LA CATEDRAL DE PIENZA.

Piazza Pio II  .Pozzo dei Cani.   Pienza. Cuaderno de viaje, » Toscana». Pepe Ros 2018.

Era el año 1459, el Papa Pío II elige al arquitecto Bernardo Rosellino para que le construya su residencia al lado de su pueblo y decide reconstruir en su aldea de Consignano, en una ciudad nueva que se llamara Pienza.  En una extensión grande de terreno que destinaria a edificios monumentales, y allí construye su residencia, una catedral y un palacio episcopal Picolomini todo ello en una plaza de dimensiones reducidas, tomando como ejemplo los consejos de Alberti.    La plaza de la Catedral de Pienza es una obra ejemplar del urbanismo de las ciudades del renacimiento italiano, que está formada por la Catedral, el Palacio noble papal, y el Palacio episcopal.se colocó la plaza en una posición tangente a la calle principal hacia la Via d’Orcia, tiene forma trapezoidal, con la catedral en el lado principal, el palacio Picolomini a la derecha y el palacio del Obispo a la izquierda, el pozo en uno de los lados (no en el centro).  El pavimento es de terracota dividido en cuadrados por tablones de travertino, que crean una cuadricula de perspectiva vinculada horizontalmente al desarrollo arquitectónico de los edificios circundantes. Esta configuración, (salvando las distancias) me recuerda a mi Plaza del Gallo, con su configuración trapezoidal, compuesta por la Calle Gallo, las casas que la configuran no son palacios, pero su forma y disposición son semejantes, su pavimento de hormigón impreso con líneas de otro color vinculados horizontalmente a las edificaciones y una fuente desplazada del centro.

Todo ello me ha decidido a pintar algo de la Plaza.

Plaza del Gallo a las 5 de la tarde

Rincón de la Plaza a las 5 de la tarde

Rincón con la fuente a las 10 de la mañana

Detalle de la esquina con la fuente a las 11 de la mañana

Consideraremos una escala de 11 niveles para medir el grado de iconicidad de cualquier imagen que se copia de la realidad.

Nivel 11 – La imagen al natural: es la que tiene todas las propiedades que aparecen en el diseño, y el mayor nivel de información.

Nivel 10 – Modelo a escala o tamaño real en 3D: los diseños son representaciones prácticamente idénticas del original. Pueden ser a tamaño real o a una escala mayor o menor del mismo. Se puede identificar con facilidad al diseño con el original.

Nivel 9 – Hologramas: realizados tanto en color como en blanco y negro. Se refiere a las reproducciones holográficas que reproducen la forma y situación de los objetos a los que representan.

Nivel 8 – Fotografía en color: reproduce en dos dimensiones la imagen, con todos sus colores originales reflejados.

Nivel 7 – Fotografía en blanco y negro: tiene las mismas características que la fotografía en color. Solo que la imagen que aparece en ellas está representada en blanco, negro y escala de grises.

Nivel 6 – Pintura realista: un cuadro que representa con un nivel de fidelidad muy elevado el original, y en el que las relaciones de espacio en dos dimensiones muestran un nivel de restablecimiento razonable. Eso sí, en este caso la pintura puede ser tanto en color como en blanco y negro, y la pintura no tendrá un nivel de iconicidad inferior.

Nivel 5 – Representación del original de manera figurativa pero no realista: en ella todavía pueden percibirse las imágenes originales e identificarlas. Pero su nivel de similitud con el original es bastante bajo, y los puntos que componen cada uno de sus elementos pueden estar en un lugar distinto al del original.

Nivel 4 – Pictograma: el diseño que se evalúa cuenta con todas las características del original, pero representadas de forma abstracta. Salvo la forma, que es lo que hace identificar lo que aparece en él.

Nivel 3 – Esquemas con motivos: el diseño creado tiene todas las características abstraídas con respecto al original. La única similitud que tiene con el original es que guarda cierta relación orgánica con él.

Nivel 2 – Esquemas realizados de manera arbitraria: como los diseños que se clasifican en el nivel anterior, todas sus características están abstraídas. Además, son esquemas generados de manera completamente arbitraria y no muestran características sensibles del original. En cuando a las relaciones entre los elementos que aparecen en el diseño, no tienen ninguna lógica.

Nivel 1 – Representación no figurativa: como su nombre indica, sus propiedades están abstraídas por completo. Tanto las sensibles como las que se encargan de relacionar sus elementos.

Boceto 1 – Acuarela y rotuladores sobre papel. Nivel 1

Boceto 2 – Croquis de dibujo con ceras sobre papel. Nivel 3 Tres manchas principales (gris, ocre, verde)

Boceto 3 – Croquis de dibujo a lápiz sobre papel. Nivel 3

Boceto 4 – Óleo sobre tablilla de madera. Nivel 5

Boceto 5 – Lápices de colores acuarelables sobre papel. Nivel 6

Uso del color. Los colores utilizados según la fotografía son los derivados de las construcciones y que conforman los paramentos verticales y horizontales, como son el de los enlucidos de cemento y materiales pétreos y de cubierta. Ocres, blancos, grises y azules.

Boceto 6 – Acuarela sobre papel. Nivel 6 

Estructura compositiva. Según la línea visual que guía el recorrido de la mirada del espectador, podemos considerar que el esquema compositivo está centrado, la imagen de la casa de la esquina. Podemos distinguir varios elementos que componen la imagen, por un lado el edificio de la izquierda, la callejuela y la casa de la esquina. El elemento principal de la composición, es a mi parecer la casa que estructura el rincón, y la fuente a un lado de la plaza. Según la ley de compensación de masa, en este caso el elemento principal ocupa la mitad del cuadro, y queda compensado con los dos edificios grises de los lados, por lo que podemos considerar que estamos ante una composición compensada. La composición del cuadro es horizontal.

Boceto 7 – Fotografía en color Nivel 8

Tratamiento de la luz. La fotografía está tomada a las 11 h. de la mañana, por tanto y debido a su orientación, quedan en sombras todos los planos orientados al Oeste.

Después de analizar los diferentes bocetos, las localizaciones y los horarios he pensado que el que mejor resultado será trabajar sobre el número 6 en donde se ve en primer plano la fuente y la luz a las 11 de la mañana da unos matices de luces y sombras interesantes.

Primera sesión, encaje del dibujo a lápiz.

• Óleos: cian, magenta, amarillo, blanco y negro.
• El tubo de 60 ml. puede ser suficiente.
• Paleta blanca de plástico.
• Espátula para mezclar los colores.
• Pinceles cuadrados de varios tamaños, grandes y pequeños (entre los pequeños incluir alguno de punta redonda), como orientación el más grande puede ser del nº 24.
• Liquin, Windsor & Newton.
• Aguarrás desodorizado.
• Trapos y botes para el aguarrás.

Segunda sesión, manchado con oleo, aguarrás y Liquin

Tercera sesión, detalle.

Buenos días compañeros/as, comparto con vosotros el resultado final de la PEC4.

PEC4                                     La máscara de Atman

Hola, clase:

He pensado en colgar el resultado final de la obra propia porque, ya que hemos compartido – en la primera entrega parcial- parte del proceso, pensé que estaría bien mostrarla. A mí también me gustaría ver las vuestras para así hacer una especie de galería virtual.

En primer lugar, os muestro las imágenes de referencia que he utilizado

A continuación os dejo la paleta con reducción cromática digital y como la extrapolé a matices reales. Al final dupliqué la cantidad de color porque sentí que el cuadro perdía sentido:

Obra finalizada:

Detalles:

Proceso creativo:

Aquí os lo dejo con el objeto de referencia:

Al final he titulado la obra La máscara de Atman porque Atman, en la filosofía hindú, significa “esencia, ser”. Esta filosofía lo identifica como el principio por el que se alcanza la liberación tras el autoconocimiento. Este autoconocimiento tiene que ver con el del propio ser. Lo que Freud, hablaba del Superyó como aquella parte en la que confluyen todas las circunstancias, aprendizajes, memorias, vivencias, experiencias, condiciones, … que nos hacen ser, nuestra esencia.

Bueno, eso es todo. Espero ver también vuestros trabajos :)

Un saludo y ¡feliz año!

PRIMERA PARTE

INVESTIGACIÓN Y ANÁLISIS DE REFERENTES 

OBRA 1

Título de la pieza artística: Arlequín con espejo Autor de la pieza artística: Pablo Picasso

Técnica de realización: Óleo sobre lienzo

Año de realización: 1923

Tamaño: 100×81

Museo Nacional Thyssen Bornemisza.

«Arlequín con espejo» es una obra de Pablo Picasso pintada en óleo sobre lienzo en 1923. Picasso acaba de llegar de Italia y venía fascinado con los personajes de la “Commefis dell’arte”. Además, tras su estancia en el país con su colega Cocteau se volvió mucho más clásico, todo lo contrario del experimento radical que revoluciono el mundo del arte a principios de siglo. En su periodo azul abarcó aproximadamente desde 1901 hasta1904. Durante este período, Picasso utilizó principalmente tonos azules y verdes en sus pinturas, y su trabajo se caracterizó por representar temas melancólicos y sombríos, como la pobreza, la soledad y el sufrimiento. Pero con este arlequín es posterior al periodo azul, en esta etapa vuelve a los planteamientos más clásicos pero no apago para nada la libertad de su anterior etapa cubista. La obra iba a ser un autorretrato, ya que Picasso se identificaba con el temperamento del arlequín, pero al final decidió vestir la figura de saltimbanqui y ponerle el rostro mascara de Pierrot mirándose al espejo con actitud melancólica.

Estructura compositiva:

El “Arlequín mirándose al espejo” es una composición centrada en el arlequín que transmite emociones y ánimos, su mirada pensativa y serena su posición central un poco escorada a la derecha, ocupa casi todo el cuadro y atrae la atención del espectador. En el fondo carente de detalles, resalta la figura del arlequín y crea un sentimiento de aislamiento del mismo personaje.  

El arlequín es una representación de esos contrastes eternos que vivimos: la alegría con la melancolía, o la conciencia de la belleza de la vida con la conciencia de que todo eso se termina en un instante. Picasso pinta al arlequín una y otra vez, ya desde el período rosa. Pablo Picasso dio vida a su obra Arlequín con espejo en otoño de 1923, un lienzo que captura no solo su talento, sino también su estado de ánimo y su evolución artística. Con 42 años en ese momento, Picasso ya se había establecido como un artista destacado y valorado a nivel mundial, sin embargo, transitaba por un periodo de melancolía que se reflejaba en su trabajo, marcado por un cambio creativo. Artísticamente, se encontraba en un momento de un clasicismo particular filtrado por el cubismo. Esta pintura fusiona personajes del mundo del circo y de la Commedia dell’arte por los que Picasso se sentía atraído. Concretamente, se observa el sombrero de dos puntas característico del Arlequín, comúnmente conocido como bicornio, la vestimenta típicamente acrobática de color malva y los rasgos inexpresivos del Pierrot que convierten el rostro del personaje en una máscara. La figura central, el imponente Arlequín, es retratada desde una perspectiva cercana que permite una apreciación detallada. El espejo de mano en el que se está observando hace referencia a la reflexión y la introspección. Todos estos elementos y símbolos convergen en una representación que trasciende lo meramente visual y expresa la complejidad que el malagueño experimentaba en su vida interna. Este viaje marcó un retorno a enfoques más tradicionales, su interpretación no fue una mera imitación, sino el resultado de la libertad artística adquirida en su fase cubista previa. La pintura muestra una contradicción entre el clasicismo del dibujo y la expresiva utilización del color.

Uso del color:

Tratamiento de la luz:

Texturas:

Algunas fuentes consultadas:

OBRA 2

Título de la pieza artística: Residencia Kaufmann.

Autor del edificio: Frank Lloyd Wright.

Técnica de realización: Óleo sobre lienzo

Año de realización: 1936/1939

Situación: Rio Bear-Run. Pensilvania (EEUU)

La residencia Kaufmann, más conocida como la casa de la cascada, es una vivienda diseñada por el arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright, y construida entre 1936 y 1939 sobre una cascada del río Bear Run, en Pensilvania Hoy en d la casa es un monumento nacional en Estados Unidos que funciona como museo y pertenece al Western Pennsylvania Conservancy. Frank Lloyd Wright (1867-1959) es ampliamente considerado como el mejor arquitecto estadounidense, y a su vez, la «casa de la cascada» su obra maestra, así como uno de los hitos principales de la arquitectura del siglo XX. Llamada «la residencia más famosa que se haya construido», se convirtió en un icono de la época tras ocupar la portada de la revista Time en enero de 1938. El American Institute of Architects la ha juzgado como «la mejor obra de la arquitectura estadounidense de la historia». En 2019 fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. 

Estructura compositiva: 

Uso del color:

Tratamiento de la luz:

Texturas:

Equilibrio tensión y movimiento:

OBRA 3

Título de la pieza artística: Fotografía.

Autor: José Ros

Característica: tomada a las 10 h.

Año de realización: 2024

Tamaño: 29,7×21,0.

Estructura compositiva:

Se trata de una fotografía de los tejados de las casas del barrio del Raval de Elche, tomada desde la terraza de mi casa. Se distinguen las edificaciones en diferentes planos en el espacio según se van alejando del espectador,  Según la línea visual imaginaria que guía el recorrido de la mirada del espectador, podemos considerar que el esquema compositivo es asimétrico pues contiene unos ejes perpendiculares pero descentralizados. Podemos distinguir dos elementos que componen la imagen, por un lado el cielo y por otro lado la masa de edificaciones. El elemento principal de la composición, es a mi parecer la masa de las edificaciones que componen el cuadro, y que ocupan el centro jerárquico y visual de la imagen. Según la ley de compensación de masa, en este caso el elemento principal ocupa las dos terceras partes de la imagen, en la parte inferior, y queda compensado con un elemento secundario como es el cielo, en el tercio superior, luego podemos considerar que estamos ante una composición descompensada. Ley de uniformidad de masas, según esto, el elemento principal está formado por una masa de edificaciones y dentro de ella se disponen diferentes volúmenes formado por casas y tejados y todos los elementos poseen un peso visual similar, con lo que se produce un equilibrio y coherencia en la composición. Las líneas de referencia en este caso son horizontales a la línea del horizonte y verticales que conforman las paredes de las casas, existen también unas líneas diagonales pero de menor importancia.

Uso del color:

Tratamiento de la luz:

Texturas:

Equilibrio tensión y movimiento:

ADAPTACIÓN DE UNA PALETA

  Búsqueda y análisis de referentes pictóricos.  Estudio de color.

LA DAMA DEL ARMIÑO

La dama del armiño (La dama con l’ermellino) Leonardo da Vinci Año 1489-1491 Óleo y temple sobre tabla de nogal Tamaño 54,8x 40,3 cm. Museo Czartoryski, Cracovia, Polonia

Un poco de Historia… De mi libro “Las Madonnas de Leonardo”

“Cecilia Gallerani era una joven que venía de Siena, del seno de una familia que no pertenecía a la nobleza y que se estableció en Milán. A pesar de su juventud disponía de buenas dotes, sobre todo para la literatura y la música, y el Duque pronto se quedó prendada de ella”.  “.-cada día de buena mañana le ordenaba los pigmentos, iba poniendo montoncitos de cada uno en las conchas que había recogido en los mares de Venecia, anotaba si alguno le faltaba para inmediatamente ir al almacén de Perugio a conseguirlo para que el maestro tuviese toda la gama de colores que necesitaba para continuar con su trabajo. Cada pigmento en su situación y en cada concha, los azules a un lado junto a los verdes, los ocres y rojos juntos con los amarillos y aparte de todos ellos el blanco. El azul cielo de Oriente lo conseguía machacando unas piedras de lapislázuli hasta conseguir un polvo fino, los rojos los conseguíamos de sangre seca de animales, rojos de geranios y de granza oscura. El maestro daba el visto bueno, observaba que todo estuviese en su sitio y abría la botella en donde guardaba el aceite de semillas de lino, dejaba caer unas gotas hasta alcanzar la densidad buscada, para mezclar utilizaba unas espátulas de acero que limpiaba una y otra vez para que no se mezclasen los colores y las introducía en una bote lleno de aguarrás que desprendía un olor fuerte, un olor que poco a poco los discípulos nos acostumbrábamos a él pues toda la casa estaba impregnada de ese olor del aguarrás mezclado con el aceite de linaza.” .-colocó el dibujo encima de la tabla, que previamente me había mandado que la preparase con una capa blanca de carbonato de cal terroso y cola de animal, para darle un aspecto blanquecino, de esa manera la tabla quedaba compacta y lisa a la espera de la pintura con una primera mano de colores grises sobre un fondo azul grisáceo. Un vestido rojo, con corpiño y mangas atadas con lazos, y una capa azul con una amplia abertura por la que sacaba el brazo. Desde la ventana que había al fondo entraba una luz que se reflejaba en su cuerpo, iluminando su cara, su hombro izquierdo y su mano derecha que sujetaba un pequeño animalillo que Cecilia llevaba casi siempre consigo y que trataba como su fuera un minino.

– Te das cuenta Salai, mira y fíjate en la luz que entra por la ventana.

– Las figuras iluminadas con luz particular concentrada demuestran mucho mayor relieve y fuerza que las que se pintan con luz universal difusa. Fue una observación a tener en cuenta, de las muchas que el maestro me hacía cada día.

– De este modo resaltaré notablemente las partes del cuerpo de Cecilia y del animal que están más próximas a la fuente de luz, oscureciéndose gradualmente las más alejadas de ella. Comenzó a darle color a algunas partes de la figura consiguiendo una gradación de intensidades, desde tonos azulados hasta tonos pardos grisáceos. El maestro estaba consiguiendo resultados que hasta ese momento no había visto, simplemente con el manejo de la luz.

Utilización del color en la paleta

.- Armonía y contraste.  La armonía la entendemos como la similitud de tonos y el contraste como la diferencia de tonos.   La armonía es una combinación de colores, cuyo objetivo sería hacer una combinación agradable, pero no siempre utilizando colores primarios y secundarios.  Leonardo consigue una armonía entre los tres colores antes mencionado, causando la sensación al ver el cuadro como que estamos dentro de esa habitación con Cecilia, consigue una atmósfera idónea.  El contraste lo podemos definir como la diferencia de intensidad entre el punto más claro y el más oscuro de una imagen.        Leonardo consigue un contraste entre el fondo oscuro y el rostro de Cecilia, un brillo en su cara y un fondo oscuro y sin luz.

.- Claroscuro. Como decía Salai, el fondo está hecho con un azul grisáceo, aunque los estudios dicen que se pintó al lado de una ventana, de ahí la luz de la cara de la Dama. Una puerta al fondo fue cubierta para mostrar un fondo oscuro liso, un velo transparente sobre la cabeza de la modelo fue repintado convirtiéndolo en un peinado extravagante y varios dedos fueron repintados. Utiliza el claroscuro, utilizando la luz para potenciar la figura de Cecilia, y consigue un contraste entre el fondo oscuro y la luminosidad de la cara de la modelo. La paleta que Leonardo utiliza es simple, casi monocroma y resuelve el cuadro prácticamente con tres colores:

Azul cielo de Oriente.  Rojo sangre.  Negro/gris.   Ocres.

El tratamiento del fondo con colores grises, y los colores del vestido, azul y bermellón, pero con tonalidades grises para integrarlo con el fondo del cuadro. Aunque como dicen los estudios hechos del cuadro, el fondo en su inicio tendría colores más claros.

FIGURA ESTENOGRAFICA

Figura Estenográfica (1942)  Jackson Pollock Óleo sobre lienzo 101,6 x 142,2 cm. MOMA Nueva York

Un poco de Historia… De mi Exposición “Berlín-Paris-New York”

…Peggy Guggenheim no sabía mucho de arte moderno, pero pronto aprendió de Duchamp, que le enseñó la diferencia entre abstracto y surrealismo. En 1943, Peggy Guggenheim estaba buscando nuevos talentos para la exposición del Salón de Primavera que sería exhibida en su nueva galería, y como parte de esta búsqueda de talentos colocó un anuncio en la revista Art Digest. El anuncio especificaba que cualquier artista norteamericano menor de treinta y cinco años podía presentar muestras de su obra. Los finalistas serían elegidos por un jurado conformado por Peggy Guggenheim, Piet Mondrian, y Marcel Duchamp entre otros. Uno de los artistas a ser considerados fue Jackson Pollock pero Peggy parecía no poder apreciar el genio de Pollock. El secretario y consejero de Peggy, Howard Putzel le insistió a que considerara a Pollock para el próximo Salón de Primavera. Pollock llevó una selección de su obra a la The Art of This Century Gallery para consideración del jurado.

Mientras Mondrian examinaba la obra “Figura Estenográfica”, Peggy comentó:

…»Bastante fea ¿no es así?, eso no es una pintura ¿o sí?».

Después de que Mondrian estuviera frente a la pintura por varios minutos, ella continuó su crítica

…»Hay una absoluta falta de disciplina en esto,

.-Mondrian respondió:

.-«Peggy, no lo sé. Tengo el sentimiento de que esta puede ser la pintura más emocionante que he visto desde hace mucho, mucho tiempo, aquí o en Europa.»

Peggy protestó diciendo que no era la clase de cosas que esperaba que fueran del gusto de Mondrian, él respondió que sólo porque fuera diferente de su propia obra no significaba que debía de disgustarle, agregando.

.-«yo no se lo suficiente acerca de este autor como para calificarlo de ‘grande’, pero sé que me obligó a detenerme y observar. .-Donde tú ves ‘falta de disciplina’ yo tengo la impresión de percibir una energía tremenda.»

Utilización del color en la paleta.

.- Analogía cromática. Los colores análogos son aquellos entre los que se considera que existe una armonía, es decir, aquellos colores que se encuentran cerca unos de otros en el círculo cromático y que son muy parecidos aunque ligeramente diferentes. Los colores análogos son grupos de tres colores que están uno al lado del otro en la rueda de colores. Pollock utiliza el amarillo-naranja/amarillo-naranja. El cian-cian/violeta-violeta, con una mezcla uniforme de ellos, con lo que con la utilización de esos colores análogos, consigue un diseño realmente armonioso y equilibrado, y una sensación agradable de ver para el espectador. Al mismo tiempo utiliza los tres colores primarios rojo, amarillo y azul (no como los utiliza Mondrian como veremos en el siguiente ejemplo) pero con una tonalidad más clara debido a la mezcla con blanco.

.- Temperatura cromática. Los colores cálidos serían aquellos que se sitúan dentro del espectro rojo, naranja y amarillo, mientras que los fríos serían los colores del espectro violeta, azul y verde. Los términos “cálidos” y “fríos” apenas se refieren a los matices puros, parecería que el rojo es un color cálido y el azul es frío. Los dos términos parecen adquirir su significado cuando se refieren a la desviación de un color dado en la dirección de otro color. Por asociación con la luz solar y el fuego, llamamos colores cálidos a aquellos que van del rojo al amarillo, y por asociación con el agua, el hielo y la humedad, llamamos colores fríos a las gradaciones del azul al verde. Pero las diferencias entre los colores cálidos y los fríos pueden ser muy sutiles. Un amarillo o un rojo azulado tienden a ser fríos, como también un rojo o un azul amarillento. Por el contrario un amarillo o azul rojizo parecen cálidos. El que determina el efecto no es el color principal puro, sino el color cuyo matiz se desvía ligeramente hacia la calidez. Un azul rojizo parece cálido, mientras que un rojo azulado, parece frío. Además las mezclas de dos colores equilibrados o en iguales proporciones, no manifiestan claramente su temperatura. En la obra existe un equilibrio entre colores fríos y calientes.

COMPOSICIÓN EN ROJO AMARILLO Y AZUL

Composición en rojo, amarillo,y azul Piet Mondrian (1921). Gemeentemuseum La Haya.

Un poco de Historia…

“Composición con rojo, azul y amarillo» es una famosa pintura abstracta creada por Piet Mondrian en 1930. El tema de esta pintura es puramente abstracto, ya que solo presenta formas geométricas, líneas y colores primarios. La pintura está dividida en una cuadrícula de formas rectangulares, con líneas negras que definen sus bordes. La pintura es una celebración de la simplicidad y el orden, y se ha convertido en un símbolo icónico del arte moderno. Aplica en este cuadro, un programa estético basado únicamente en líneas rectas horizontales y verticales y colores primarios, que influyen en el gusto y la sensibilidad del Norte de Europa durante las décadas posteriores. La total exclusión de cualquier forma curva se relaciona también con la persistencia de Mondrian por encontrar la armonía del universo mediante sus elementos geométricos fundamentales. Lo horizontal y lo vertical representan los polos opuestos de la existencia espiritual y lo material, lo masculino y lo femenino lo positivo y lo negativo. Algo tan sencillo en la forma resulta que era sumamente complejo en el concepto. Su obra se caracteriza por el compromiso con los principios de la abstracción, “simplicidad y armonía”.

Utilización del color en la paleta.

.-.Temperatura cromática. Los colores cálidos son aquellos que se sitúan dentro del espectro rojo, naranja y amarillo, mientras que los fríos serían los colores del espectro violeta, azul y verde.A Mondrian no le interesa esta clasificación y simplifica como decíamos  los colores a utilizar a los primarios, rojo azul y amarillo.

.-. Armonía y contraste. Los colores y las formas se colocan cuidadosamente para crear una sensación de armonía y equilibrio, con los bloques rojos, azules y amarillos colocados en posiciones estratégicas para crear una tensión dinámica entre ellos. Dentro de esta cuadrícula, Mondrian ha utilizado solo tres colores primarios: rojo, azul y amarillo, que se disponen en una composición equilibrada.

.-. Simplicidad en las formas y colores. La elección de los colores y las formas son un ejercicio de simplicidad y orden con la intención de dar un vuelco a la manera de pintar del periodo de entreguerras, y ello les llevo a los integrantes del grupo De Stijl a eliminar todo indicio de elementos que representasen el paisaje tradicional y evolucionar desde el cubismo hacia una abstracción geométrica pura.

Inventario de color y construcción de nuestra paleta

Edward Hopper (Nyack, 22 de julio de 1882 –Nueva York, 15 de mayo de 1967) fue un pintor estadounidense, célebre sobre todo por sus retratos de la soledad en la vida estadounidense contemporánea. Se le considera uno de los pintores de la escuela Ashcan. El éxito conseguido con una exposición de acuarelas en 1923 y otra de lienzos en 1924 hizo de Hopper el autor de referencia de los realistas que pintaban escenas estadounidenses. Como es por ejemplo “Habitación en Nueva York”. Su evocadora vocación artística evolucionó hacia un fuerte realismo, que resulta ser la síntesis de la visión figurativa unida al sentimiento poético que Hopper percibe en sus objetos.

He escogido la obra “Tea by the sea”, en donde se pueden apreciar unos trece colores algunos muy sutiles, con los grises, con variaciones tonales, a través del programa de edición Gimp.

Simplificado a ocho (8) colores, con los que trabajaremos en la tercera parte del ejercicio.

Una vez conseguidos el inventario proporcional de colores, con el programa GIMP, y realizado las anotaciones de los valores RGB de nuestro inventario. De síntesis aditiva a síntesis sustractiva con gouache y acrílicos.

Magenta 397. Amarillo 205. Cian 501. Blanco 100. Negro 703.

ENTREGA P1

PRIMERA PARTE: Síntesis sustractiva (colores pigmento)1.1. Círculo cromático de 12 colores y su escala de valor.

Papel A3 con un gramaje de 300 gr.   Pinturas gouache, magenta, ciano y amarillo. Pinceles planos n.º 1,2 3

Dibujo del circulo con las medidas que se proponen.

Elaboración de los colores complementarios y terciarios.

Reflexión: La primera mezcla para obtener el complementario del azul (naranja), observo que si se mezclan por partes iguales magenta con amarillo, obtengo un naranja excesivamente oscuro, casi un magenta, luego habrá que hacer la mezcla con una proporción de mas amarillo sobre una base mínima de magenta.

Con la mezcla hecha tenemos que incorporarle agua para diluir el color.  Teniendo un cuidado escrupuloso en la limpieza de los pinceles, espátulas, etc.

El circulo cromático es muy personal, cada persona obtendrá un circulo cromático partiendo de los tres colores primarios, ninguno será igual a otro.

1.2. 6 círculos de intensidad cromática o escalas de saturación. CIAN-NARANJAI

AMARILLO-VIOLETA